自分のカラーは深く向き合って出来てくる
「むずかしいこと」がよくわからないうちからピアノを弾いているので、何が難しいとか簡単だという区別があまりありません。とにかく、どうすればいい音楽になるんだろう、と考えていました。
この記事を読んでいる皆さんも、音楽が大好きで真剣に向き合っていることでしょうね。ここでは私が感じている『音楽と深く向き合う』についてお話ししたいと思います。
３級即興演奏 Bを弾いてみた
今回弾いたのは、2−１です。
２小節のモチーフが与えられ、即興で仕上げるというもの。グレードの科目の一つ。
嫌な音がある
私には、少し苦手な音があります。それは、声の大きな人の会話です。外に出るとどうしても耳に入ってきて、すごく疲れてしまいます。自分には関係ない内容なので無視すればいいのですが、どうしても耳が拾ってしまい、頭の中が忙しくなって不快になり、その日はほぼ沈んでいます。
心地よく聞こえる声とそうでない声があるため、必要がない限りは外出を控えることも。
音楽についても同様で、オーケストラの楽器の微妙なピッチのズレなどにはすぐ気づく・・これは音楽に携わる者としてはある意味長所ですが、ピッチに無頓着な人と一緒に演奏すると、精神がすり減ってしまうのです。
良い面もあるというのは、音の空間的な広がりやリズムのわずかな揺れ、テンポ感など、好きなアーティストの特徴を瞬時に聞き分け、それを自分の音楽にも取り入れることができる。
たとえば、同じテンポ60で演奏しても、あるピアニストの演奏はどっしりとした印象を与え、別のピアニストの演奏は軽やかに感じることもあります。テンポが同じでも、ピアニストの個性で演奏は全く違いますね。
こうした違いを見分ける力があると、音楽にさらに深く没頭することができます。一方で、決まったルールに従ったほうが楽だと感じる人は、どうしても受動的になりがちです。
「嫌な音」から話が逸れてしまいましたが、ここで言いたかったのは、「聞き分ける力」は音楽をする上で非常に重要だということです。残念ながら、この力は努力だけで得られるものではないことが多いです。
自分の音楽のカラーというのは、そんな聴き分ける力から生まれてくるのかも知れません。
どれもこれもなんとなくしか聴いていなくて、それを再現すると、やっぱり「側」（がわ）だけの音楽になってしまうから、聴いている方はなんとも感じない。
即興演奏をうまく弾こう、と思う前に自分の音楽性について考えてみるのもクリアするための一つの方法。
静粛な空気感を出すにはどういう和音で、テンポで、キーで弾いたらいい？
絵を描くアーティストは例えば「緑」や「ハート」などテーマを持って個展を開いたりしています。それと同じで、テーマを持って、いろんな場面や響きを想像しながら音を繋げていく感じで弾いてみて。
エクササイズなら？
体のメンテナンスをするにしても、闇雲にエクササイズをするのではなく、今どの部分を動かしているのかを意識します。力みすぎるとたちまち動かなくなったり、呼吸と体の動きを合わせると、不思議と思い通りに動いたりできますね。
そして初めて日常の悪い癖や習慣を認識し、少しずつ自分の体を楽にする方法を自ら覚えていく。緊張やリラックス、くせ、悪い習慣。全てを自分の体を通して学びます。
それが「変化」
その変化を実感すると、パッと目の前の明るくなる。今まで師匠の言っていることが理解できなかったり、キースジャレットの（私が個人的に尊敬している）音楽がわかってきたり。
それはもう、音楽にどハマりする瞬間です。そこからが本当におもしろくなるところ。
自分のカラーってなんだろう？ぜひ考えてみてください。
それではまた〜メッセージはこちらまで。
最近の作品。前に作ったものだけど、ピアノの音を変えて録音しました。
English Ver. Reflecting on My Musical Color While Improvising with a Two-Bar Motif
My Journey with Music
I began playing the piano before I even understood what “difficult” truly meant. Because of this, I never really distinguished between what was hard or easy. My thoughts were always focused on one thing: how to create good music.
I believe those of you reading this also have a deep love for music and are dedicated to it. Today, I want to share my thoughts on what it means to truly “engage with music deeply.”
Sounds That Bother Me
There are certain sounds that I find particularly difficult to tolerate. One example is loud conversations. When I’m outside, these sounds inevitably find their way to my ears and drain my energy. Even though they have nothing to do with me and I should just ignore them, my ears pick them up, making my mind feel cluttered and uncomfortable, leaving me feeling down for most of the day.
There are voices that are pleasant to listen to and those that are not. Because of this, I sometimes choose to stay home unless I have a good reason to go out.
This sensitivity applies to music as well. I can instantly notice even the slightest pitch discrepancies in an orchestra. While this is a strength as someone working in music, playing with people who are indifferent to pitch can be mentally exhausting.
However, there are positive aspects to this sensitivity. I can quickly distinguish the unique characteristics of my favorite artists—the spatial depth of sound, subtle rhythmic variations, and the feel of the tempo—and incorporate these nuances into my own music.
For instance, even when playing at the same tempo, say 60 BPM, one pianist’s performance might feel grounded and heavy, while another’s might come across as light and airy. Even with the same tempo, the individuality of each pianist makes the performance completely different.
The ability to discern these differences allows for a deeper immersion in music. On the other hand, those who find comfort in strictly following rules may tend to take a more passive approach.
I’ve drifted a bit from my point about “unpleasant sounds,” but what I wanted to convey is that having the ability to discern subtle nuances is crucial in making music. Unfortunately, this skill often isn’t something that can be acquired through effort alone.
Perhaps the unique color of one’s music comes from this very ability to distinguish.
If you listen to everything superficially and try to replicate it, you end up with “music that lacks substance,” leaving listeners feeling nothing.
Before trying to master improvisation, it might be helpful to reflect on your own musicality. What chords, tempo, or key would you use to create a serene atmosphere?
Just like visual artists who might host an exhibition around a theme like “green” or “hearts,” in music, too, try playing with a theme in mind, imagining different scenes and resonances as you connect the sounds.
Improvising from a Two-Bar Motif
Recently, I tried improvising based on a two-bar motif. In the Yamaha Piano Grade Test, held at Yamaha Music Schools in Japan, there is an improvisation section where you are given a short two-bar melody and must create an improvised piece from it. The style is entirely up to you—it could be a sonata form, pop, or even a free style. The test has a low pass rate and is known for its difficulty.
Through this practice, I realized that improvisation is not just about creating music on the spot but also about deeply understanding your own musical expression.
”The Japanese version includes a video and sheet music.”
Exercises and Change
When maintaining the body, we don’t just exercise randomly; we focus on which part we’re moving. If you tense up too much, you might find yourself unable to move at all, but when you align your breathing with your movements, everything can flow more naturally.
Through this mindful practice, we begin to notice our bad habits and gradually learn ways to ease our bodies. Tension, relaxation, quirks, and bad habits—all are learned through the body.
This is what we call “change.”
When you experience this change, it’s as if a light switches on in front of you. Suddenly, you understand what your mentor has been saying, or the music of Keith Jarrett (whom I personally respect) begins to make sense.
That’s the moment when you truly fall in love with music, and from there, the journey becomes even more fascinating.
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